Melodía y ritmo en la música. El papel del ritmo en la música

La vida humana es un movimiento incansable en el espacio y el tiempo. La armonía de este movimiento depende de cuán estrechamente coincida o complementa el movimiento del entorno.

La naturaleza de las cosas o el origen del ritmo.

Dio la casualidad de que el movimiento silencioso es extremadamente raro. El movimiento del péndulo, el movimiento del reloj, el latido del corazón, el funcionamiento del motor, el ruido del follaje, el murmullo de un arroyo, el cambio de estaciones, día y noche: cada fenómeno tiene su propio sonido y una organización rítmica característica bien reconocible.

El hombre, saciando su sed de conocimiento, está en un sistema de coordenadas, cuyo centro es él mismo. Inicialmente, el concepto de niño grande-pequeño, rápido-lento se clasifica según su altura y el ritmo del corazón.

Las comparaciones de objetos y fenómenos entre sí en un sistema de coordenadas separado gradualmente se vuelven disponibles, sin embargo, los fundamentos no desaparecen en el olvido, sino que se mueven al nivel de la regulación subconsciente. Por lo tanto, se puede argumentar que la base de la vida es un cambio proporcional de fenómenos, acciones, formas, el ritmo de la vida en las macro y microescalas, que juega uno de los roles clave en el arte de la música.

Organización rítmica de la vida y la música.

La palabra "ritmo" es de origen griego y literalmente significa proporcionalidad. El ritmo en la música es una alternancia ordenada de sonidos de diferentes duraciones, uno de los principales elementos de expresividad en la paleta musical, ya que los sonidos sin corte rítmico no pueden formar una melodía.

Como la poesía, la música es un arte que se extiende en el tiempo, con su propio sistema de grabación gráfica. El grafema principal para grabar sonidos es una nota, un signo convencional que indica el tono y la duración relativa de un sonido. Cabe señalar que el sistema de grabación de sonido que se puede ver hoy se introdujo en circulación solo en el siglo XVI. Hasta este punto, la división de la duración de las notas no se produjo en dos partes, sino en tres. Con el tiempo, apareció una diferencia en el color de las notas (los sonidos largos son blancos y los sonidos cortos son negros), y luego aparecieron "colas" en forma de calma y banderas.

En la vida cotidiana, una persona a menudo tiene que dividir el todo en dos mitades o cuatro partes iguales y, a veces, en ocho partes. Este principio también se aplica para determinar la duración de las notas:

• nota completa: tiene un color blanco y es la designación de un sonido largo;
• media nota: en términos de la duración del sonido, es la mitad de un todo, también tiene un color blanco, pero se le atribuye una calma que lo distingue del signo anterior;
• negra: solo suena la cuarta parte de la nota completa, es de color negro y tiene una calma;
• octava nota: por analogía, es la octava del total, negra con calma y una bandera.

También hay una división más pequeña del tiempo de sonido y una más grande, pero para comprender la organización rítmica, las duraciones de las notas dadas son más que suficientes.

Si comparamos los ritmos musicales con los ritmos diarios de una persona, entonces uno debería decidir un marco de referencia. Nuestra vida se cuenta a diario con las manecillas de un reloj ordinario. Pero la vida rítmica de una pieza musical depende del compás y el tempo.

Cómo distinguir entre ritmo, compás y tempo

En Internet, a menudo se citan los resultados de la investigación realizada por psicólogos sobre la percepción de manchas amorfas por parte de los humanos. Las conclusiones de los científicos dicen que la percepción visual de una persona (así como la auditiva) se basa en imágenes ya familiares como "plantilla" y solo después del "sentimiento de apoyo" se puede incluir la "representación" de una variedad de otras opciones. El papel de apoyo en la música se juega con el metro, del griego "medida".

Al igual que la respiración y los latidos del corazón, el tejido musical se compone de tensión (latido fuerte) y descarga (latido débil). Gráficamente, un metro musical se indica por tamaño (representado como una fracción e indica el número de tiempos de una determinada duración de un tiempo fuerte al siguiente). El papel del ritmo en la música es crear una imagen única de la melodía.

Un metro de tres tiempos, por ejemplo, está asociado con un vals en las representaciones de una persona moderna. Para no confundir el compás con el ritmo, basta con hacer un simple ejercicio una vez: con los pies, alternar el compás de tres tiempos del vals (el primer compás fuerte - con el pie izquierdo, dos débiles - con el pie derecho), y con las manos reproducir el ritmo "Bolero" de Maurice Ravel.

Este ejemplo vuelve a enfatizar la importancia del ritmo en la música: un compás de tres tiempos (que muchos oyentes asocian con un vals suave) deja de ser “blanco y esponjoso” y, gracias al patrón rítmico, adquiere rigidez y persistencia.

Determinar el tempo es más fácil, pero hay algunos matices. En notación musical, todo lo relacionado con el tempo se denota con términos italianos, y los compositores de metrónomo al comienzo de una pieza establecen el significado de un metrónomo.

Un metrónomo es un dispositivo que ayuda a determinar la velocidad de una actuación utilizando una escala en la que puede establecer un número diferente de latidos por minuto. A veces, los compositores indican el tempo en ruso, inglés, francés, pero, a pesar de esto, el significado sigue siendo el mismo.

Extensiones de ritmo punteadas

La representación gráfica del sonido de la música no se limita a la designación de términos extranjeros, notas, pausas, metros. También hay designaciones específicas como un punto. Un punto a la derecha de una nota indica nada más que un ritmo punteado y alarga el sonido de la nota a la mitad. En cuanto a los rasgos caracterológicos de este ritmo, a paso rápido lleva la energía de un impulso, embestida, perseverancia y aspiración. Como ejemplo, puede considerar "Montescos y Capuleto" del ballet "Romeo y Julieta" de S. Prokofiev.

El sonido del ritmo punteado a paso medio expresa otros estados de ánimo: duda, reflexión, impulso fugaz. Esta afirmación está bien ilustrada por el vals "Sweet Dreams" de "Children's Album" de P. Tchaikovsky o el Preludio en Mi menor de Frederic Chopin. El mismo compositor utilizó un ritmo discontinuo a paso lento para representar la desesperación, la desesperanza, la depresión en el segundo movimiento de la sonata para piano, más conocida como Marcha fúnebre.

Reclamaciones territoriales del síncope

Síncope es el nombre del ritmo en la música. Su esencia radica en cambiar el énfasis de una fracción fuerte de un metro a una débil (en otras palabras, de la inhalación a la exhalación). Se crea una sensación de interrupción rítmica, que aporta nitidez y tensión a la paleta musical. El término en sí proviene de la palabra griega y significa la omisión de algo. Muchos compositores han utilizado el colorido de esta organización rítmica y, dependiendo del compás y el tempo de la obra, este ritmo puede enriquecer ampliamente el lenguaje musical.

Por ejemplo, "Autumn Song" del ciclo "Seasons" de P.I. Tchaikovsky. El síncope en esta pieza es la semilla de la que brota la melodía, manteniendo el ritmo de la "duda". O el vals de PI Tchaikovsky en mi bemol mayor: el tempo de la pieza es más rápido que en la versión anterior, por lo que el síncope transmite emoción, tímida ensoñación. El papel de los ritmos sincopados en la música contemporánea crecerá aún más.

Un swing tan misterioso

¿Qué es el swing y en qué se diferencia de otras matrices rítmicas? El nombre se deriva de la palabra inglesa (literalmente "meneo"). Se hizo famoso gracias al desarrollo de la música jazz, a su vez, el jazz es un desarrollo armonioso y una transformación de lo espiritual (la composición "Volvamos con Jesús" es muy ilustrativa, pero no interpretada por coros académicos).

Vale la pena señalar que el "balanceo característico" del patrón rítmico de los cantos negros se conserva firmemente en el arte del jazz contemporáneo. Para imaginar el sonido del swing, basta con imaginar que el primero de cada par de sonidos tocados se ejecuta más tiempo que el segundo, que se percibe al oído como un triplete. Dado que el swing es una matriz rítmica, la influencia del tempo en sus características caracterológicas también es grande. Esta es una versión rápida e intransigente del tema Spiderman de Michael Bubl, y conmovedora, se podría decir, swing "confesional" de Nina Simone - Feeling Good.

Y artistas de swing tan famosos como Ella Fitzgerald y Duke Ellington son capaces de convencer al oyente de que la conocida composición "Caravan" no puede existir fuera del swing.

Cabe señalar que el swing no es algo fuera de lo común, y como ejemplo, el único Louis Armstrong en la composición Go Down Moses. El ritmo en la música moderna no se limita solo a la matriz inferior, es multifacético y, a menudo, los experimentos de los compositores adquieren relieves inimaginables.

Figuras rítmicas especiales como decoración de encaje en la música.

Las figuras rítmicas especiales incluyen trillizos, cuartillos, quintoli, etc. Vienen de dividir una acción por un número arbitrario (3,4,5,6,7) en partes iguales. En términos de tiempo de sonido, estos grupos no se diferencian del tiempo dividido y tienen un solo acento (este es siempre el primer sonido del grupo).

El tejido musical adquiere un color y una atmósfera especial con la reproducción simultánea de varias figuras rítmicas, que fue magistralmente utilizada por George Enescu en la obra "Romanian Rhapsody" en La mayor. Sin embargo, no debemos olvidar el papel que juega el tempo en la percepción del ritmo. Rhapsody usa tempos moderados a rápidos que colorea la pieza en tonos divertidos, brillantes y fascinantes. El pianista y compositor Ferens Liszt utilizó hábilmente varios manjares rítmicos en sus obras (Rapsodia húngara No. 2, por ejemplo).

En cuanto a los tempos lentos y moderados en el uso de patrones rítmicos especiales y fuera de ritmo en la música, en este caso me gustaría mencionar a Frederic Chopin y sus insuperables Nocturnos. Para el compositor polaco, el ritmo en la música es uno de los principales medios de expresión. El famoso "Nocturno en La bemol mayor" es una vívida ilustración de esta afirmación.

Colores artísticos del ritmo

Es bastante obvio que el ritmo está estrechamente relacionado con el tempo, la melodía y la dinámica. Sin embargo, no se puede negar que el ritmo en la música es el principio fundamental y un hilo conductor entre el resto de componentes expresivos.

Una variedad de matrices rítmicas tomadas de generaciones anteriores reinan en la música contemporánea. Y no importa qué nacionalidad prefiere usar el compositor en sus composiciones, qué ritmos y estilos prefiere usar en sus composiciones, es valioso que se comunique con el oyente en un lenguaje que comprenda, describa experiencias y sentimientos familiares.

Es muy común ver músicos que simplemente se identifican con su instrumento con una devoción maníaca. Normalmente veo a estas personas como un apego a su herramienta. Los guitarristas no escuchan a los vocalistas, los bateristas no saben de instrumentos de viento, los pianistas no saben de cuerdas, etc.

¿Para qué es todo esto?

Simplemente olvidando a veces que un instrumento musical es solo un INSTRUMENTO para expresar lo que hay dentro de una persona, nos privamos de la oportunidad de desarrollarnos como músicos y como persona.

Una vez que me interesé por el problema del ritmo, comencé a buscar respuestas a mis preguntas. Sin embargo, no hay respuestas básicas en los libros de texto.

Y en gran parte debido al hecho de que no soy indiferente a la batería, comencé a buscar bateristas que supieran mejor que cualquier otro músico cómo trabajar con el ritmo.
La música descansa en dos elementos más importantes (aunque muchos encontrarán esto controvertido, pero a la luz de los cambios que se han producido en la música del siglo XX, el papel no es tan importante hoy en día, ya que puede estar completamente ausente).

El primer elemento es (y todos los componentes, incluso como resultado del movimiento lineal de las voces) y el ritmo.

Todo lo relacionado con elementos melódicos tiene una estructura y clasificación muy clara, lo que facilita la comprensión de este elemento musical. Sin embargo, si nos fijamos en el área del ritmo, se podría decir que aquí reina la anarquía total.

Lo que me viene a la mente es ritmo punteado, swing, síncopa, aumentos, disminuciones, etc. La cantidad de clichés de este tipo es bastante grande y están muy fragmentados. Esto, a su vez, interfiere con una comprensión profunda de los conceptos básicos del ritmo y su aplicación en la práctica.

El proceso educativo se basa principalmente en el dominio de los tamaños 2/4, 3/4, 4/4 y similares.

Desafortunadamente, esto lleva al hecho de que cualquier dimensión compuesta y compleja se convierte en un obstáculo para los músicos. Una forma de acostumbrarse al ritmo muy rápidamente es dejar de pensar en el tamaño y usar la unidad de medida más pequeña para contar.

Muchos bateristas usan tablas de ritmo (uno de los últimos ejemplos Benny Greb "Lenguaje de percusión: un sistema para la expresión musical").

Se basan simplemente en dividir una duración entre cuatro o tres. De hecho, el 90% del ritmo utilizado en la música está cubierto por estas tablas. Son una especie de cuadrados mágicos que ayudan a un músico novato a no perderse.
Aquí hay dos tablas principales para 4 y 3 (lo principal es no caer en el patrón de pensamiento de que 4 es 16 u 8 en tamaño 4, y 3 son tripletes. Cualquier letra de la tabla se puede aplicar a cualquier tamaño y ondulación). Esta es la base desde la que empezar a dominar el ritmo.

Cada elemento debe volverse natural. Experimente mezclándolos entre sí y de diferentes mesas.
Como Benny Greb solo tiene dos mesas, la tercera será mía.

Reflexionando sobre ritmos no estándar y complejos, pensé que no estaría mal componer para la división de 5, lo que ofrece una gran selección de opciones extraordinarias.

Será un desafío tocar, pero después de eso sentirás un crecimiento musical inmediato. Cuanto más complejas dominamos, más simple se vuelve. B Hablemos de cómo usar todo esto para dominar tamaños complejos

Forma varios figuras rítmicasde donde el total patrón rítmico pieza musical. Este patrón rítmico es ritmo.

El ritmo no está ligado a ninguna unidad absoluta de medida de tiempo, solo se establecen las duraciones relativas de las notas (esta nota suena 2 veces más larga que eso, y esta es 4 veces más corta, etc.).

Ritmo, compás y tempo: diferencias

Papel cuadriculado

Ritmo, metro y paso - los conceptos son diferentes.

El medidor define una cuadrícula de tiempos fuertes y débiles con el mismo espacio entre tiempos. Se puede imaginar como papel cuadriculado, en el que la celda más pequeña de las líneas más delgadas es la duración mínima en el trabajo, las líneas más gruesas indican lóbulos, incluso los más gruesos, lóbulos relativamente fuertes y los más gruesos, lóbulos fuertes.

A lo largo de las líneas de esta cuadrícula, puede dibujar figuras rítmicas de segmentos de diferente duración (notas de diferente duración). Las formas pueden ser completamente diferentes, pero todas estarán basadas en las líneas de esta cuadrícula.

La duración de las notas se puede establecer en unidades relativas (celdas más pequeñas): este sonido es un segmento de 4 celdas de largo y este tiene 2. Estas proporciones no cambiarán cuando cambie la escala de la cuadrícula. La secuencia de alternancia de tales segmentos es ritmo.

Puede escalar esta cuadrícula usando el tempo, haciendo que la distancia entre las líneas sea más larga o más corta. En la escala "1 celda \u003d 1 segundo", el tiempo de sondeo de una nota de 2 celdas será igual a 2 segundos. Al disminuir la escala (aumentar el tempo) en 2 veces, la duración de una nota en los mismos 2 segmentos ya será igual a 1 segundo.

Fundación Wikimedia. 2010.

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Libros

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INSTITUCIÓN EDUCATIVA MUNICIPAL PRESUPUESTARIA DE EDUCACIÓN ADICIONAL "ESCUELA DE ARTES INFANTILES Lokosovskaya" p. Lokosovo 2017 PLAN Introducción Parte principal 1) Especificidad del ritmo en la música 2) Sistemas históricos básicos de organización del ritmo 3) Clasificación del ritmo musical 4) Medios y ejemplos del ritmo musical de la literatura I. 3 II. 4 Conclusión III. IV. Lista 19 Introducción El ritmo es el lado temporal y de acento de la melodía, armonía, textura, temática y todos los demás elementos del lenguaje musical. El ritmo, a diferencia de otros elementos esenciales del lenguaje musical: armonía, melodía, pertenece no solo a la música, sino también a otros tipos de artes: poesía, danza; por el cual la música estaba en unidad sincrética. Existiendo como una forma de arte independiente. Para la poesía y la danza, así como para la música, el ritmo es una de sus características genéricas. La música como arte temporal es inconcebible sin ritmo. A través del ritmo, define su afinidad con la poesía y la danza. El ritmo es el elemento musical en poesía y coreografía. El papel del ritmo no es el mismo en diferentes culturas nacionales, en diferentes períodos y estilos individuales de la historia centenaria de la música. La especificidad del ritmo en la música. expresividad de los componentes de la textura, el ritmo pertenece no solo a la música, sino también a otros tipos de artes: la poesía y la danza. La música es impensable sin ritmo. El ritmo es el elemento musical en poesía y coreografía. El papel del ritmo no es el mismo en diferentes culturas nacionales. Por ejemplo, en las culturas de África y América Latina, el ritmo está en primer lugar, y en la canción persistente rusa, su inmediato es absorbido por la expresividad de la melodía pura. El ritmo en la música tiene su especificidad, ya que se expresa en la conjugación de entonaciones, en la proporción de armonías, en la lógica del motivo: timbres, sintaxis temática, en movimiento y arquitectónica de la forma. Por lo tanto, es posible definir el ritmo musical como el lado temporal y acentuado de la melodía, la armonía, la textura, la temática y todos los demás elementos del lenguaje musical. La relación entre categorías rítmico-temporales no fue la misma en diferentes épocas históricas, tanto en términos de su papel práctico en la música como en la interpretación teórica. En la métrica griega antigua, el concepto de metro se generalizó y el ritmo se entendió como un momento particular: la proporción de arsis ("levantar la pierna") y tesis ("bajar la pierna"). Muchas enseñanzas orientales antiguas también ponen el metro a la vanguardia. También se prestó mucha atención al fenómeno del metro en la doctrina del sistema de reloj musical europeo. El ritmo se entendía en su sentido estricto como la proporción de varios sonidos, es decir, como un patrón rítmico. La escala de ritmo adquirió su forma actual durante la formación de un sistema de reloj maduro en el siglo XVII. Antes de esto, los indicadores de la velocidad de movimiento eran "proporciones" que indicaban el valor de la duración principal en toda la sección de la obra. En el siglo XX, la relación entre las categorías ritmo-temporales cambió debido a una fuerte modificación del sistema de tiempo y las formas sin ritmo del ritmo musical. La noción de metro ha perdido su incomprensibilidad anterior, y la categoría de ritmo ha pasado a primer plano como un fenómeno más general y más amplio. Los momentos agógicos se introdujeron en la esfera de la organización rítmica y se extendieron a la arquitectura de la forma musical. Por ello, el problema de organizar todo el parámetro del tiempo como un nuevo aspecto de la teoría del ritmo musical resultó ser relevante para la práctica creativa del siglo XX. Teniendo en cuenta las particularidades de la música de diferentes épocas, es necesario adherirse a dos definiciones de ritmo y métrica musical (amplia y estrecha). El significado de ritmo en un sentido amplio se ha dicho anteriormente. El ritmo en sentido estricto es un patrón rítmico. La métrica en el sentido amplio de la palabra es una forma de organización del ritmo musical basada en una medida proporcional y, en el sentido estricto, un sistema métrico específico de ritmo. Entre los sistemas métricos importantes se encuentran la métrica griega antigua y el sistema de reloj de los tiempos modernos. Con tal comprensión del metro, los conceptos de metro y tacto no son idénticos. En métricas antiguas, la celda no es el ritmo, sino la parada. La medida pertenece al sistema métrico de la música profesional europea de los siglos XVII-XX. La barra es capaz de capturar el ritmo de muchos sistemas. Dado que la estructura de compás está asociada con la notación generalmente aceptada en la actualidad, para la conveniencia de leer notas, se acostumbra traducir la música de cualquier época histórica en una grabación de compás. Al mismo tiempo, es importante distinguir entre tipos no originales de organización rítmica y comprender correctamente la función de la barra, distinguiendo su función métrica real de la que divide condicionalmente. Los principales sistemas históricos de organización del ritmo. En el ritmo europeo, se han desarrollado varios sistemas de organización, que tienen diferentes significados para la historia y la teoría del ritmo en la música. Estos son tres sistemas principales de ritmo en verso: 1. Cuantitatividad (métricidad en el significado antiguo 2. Cualitatividad (precisión en los estudios literarios 3. Silabicidad). término) sentido) El límite entre la música y la poesía es el sistema (ritmo modal). Modos medievales tardíos En realidad, los modos mensural y tactométrico actúan como sistemas musicales, y las progresiones y las series pueden distinguirse entre las formas más nuevas de organización del ritmo. El sistema cuantitativo (cuantitativo, métrico) fue importante para la música de la antigüedad, durante el período de unidad sincrética de la música - palabra - danza. El ritmo tenía la unidad de medida más pequeña: chronos protos (tiempo primario) o mora (intervalo). Se agregaron duraciones más largas a partir de esta más corta. En la antigua teoría griega del ritmo, había cinco duraciones: - chronos protos, brachea monosemos, - macra disemos, - macra trisemos, - macra tetrasemos, - macra pentasemos. La propiedad formadora del sistema de la cuantitatividad fue que las diferencias rítmicas en él fueron creadas por la proporción de lo largo y lo corto, independientemente del estrés. La proporción principal de sílabas en longitud fue el doble. Formado a partir de sílabas largas y cortas, los pies eran precisos en el tiempo y estaban débilmente sujetos a desviaciones agógicas. En períodos posteriores de la historia de la música, la cuantitatividad se reflejó en la formación de modos rítmicos, en la preservación del tipo de pies antiguos como patrones rítmicos. Para la música del Nuevo Tiempo, la cuantitatividad se ha convertido en uno de los principios del ritmo del verso. En la cultura musical rusa de principios del siglo XIX, el tema de atención era la idea de la presencia de sílabas largas y cortas en el idioma ruso. Desde mediados de siglo, las ideas sobre el principio tónico de la literatura rusa se han fortalecido. El sistema cualitativo es enteramente verbal, verbal. Contiene diferencias rítmicas según el principio de no largo - corto, pero fuerte - débil. Los pies cualitativos se han convertido en un modelo conveniente para compararlos y determinar con su ayuda varios tipos de formaciones de ritmos musicales. El musicólogo soviético V.A.Tsukkerman hizo una sistematización de los tipos de patrones de barras, definiendo también su significado expresivo. Sin embargo, sólo una analogía es válida entre figuras de ritmo rítmico y fórmulas de pie, ya que el tiempo y el pie pertenecen a diferentes sistemas de organización rítmica. El sistema silábico (sílaba) también es verso. Se basa en el conteo de sílabas, en la igualdad del número de sílabas. Por tanto, su principal significado es ser la base rítmica del verso en las obras vocales. El sistema silábico también recibió una refracción musical. Después de todo, la igualdad del número de sonidos, como el número de sílabas, forma una organización temporal, que puede convertirse en la base de la estructura rítmica. Es esta forma rítmica la que se encuentra entre las técnicas compositivas del siglo XX, especialmente después de 1950 (un ejemplo es la 1ª parte de "Serenade" para clarinete, violín, contrabajo, batería y piano de A. Schnittke). El ritmo modal, o un sistema de modos rítmicos, actuó en el siglo XII-XIII en las escuelas de Notre Dame y Montpellier. Era un conjunto de fórmulas rítmicas obligatorias. Este sistema fue seguido por todo autor y poeta - compositor. El sistema general de seis modos rítmicos: 1er modo 2do modo 3er modo 4to modo 5to modo 6to modo Todos los modos estaban unidos por un tamaño de seis tiempos con diferente relleno rítmico. Ordo (fila, orden) eran las células del ritmo modal. Un solo ordo era análogo a un pie no repetible, o monopodia, doble - doble pie, dipodia, triple-tripodia, etc .: ethos Primer modo: Single ordo Double ordo Triple ordo Quarter ordo Moduses, como pies antiguos, estaban dotados de un cierto ethos. El primer modo expresó vivacidad, agilidad, estado de ánimo alegre. El segundo modo es el estado de ánimo de dolor, tristeza. El tercer modo de las propiedades de los dos anteriores es la vivacidad con depresión. El cuarto fue una variación del tercero. El quinto fue de carácter solemne. El sexto fue un “contrapunto florido” a voces más rítmicamente independientes. El sistema mensural es un sistema de duraciones de notas musicales. Fue causado por el desarrollo de la polifonía, la necesidad de coordinar las relaciones rítmicas de las voces; sirvió como teoría de la polifonía antes del surgimiento de la doctrina del contrapunto. El ritmo mensural se asoció hasta cierto punto con principios modales. El de seis lados fue la medida reglamentaria. Sus agrupaciones dicotiledóneas y tripartitas, comparadas simultánea y consistentemente, eran fórmulas típicas de la era del ritmo del Renacimiento medieval tardío. En los siglos XIII-XVI se desarrolló el sistema mensural y su característica fue la igualdad de divisiones de duraciones entre 2 y 3. Inicialmente, solo la trinidad era la norma. En conceptos teológicos, respondió a la trinidad de Dios, tres virtudes: fe, esperanza, amor, así como tres tipos de instrumentos: percusión, cuerdas y viento. Por lo tanto, la división combinada en tres se consideró moderna (perfecta). La división en dos fue adelantada por la propia práctica musical y gradualmente ganó un lugar importante en la música. Taxonomía de las principales duraciones mensurales: Máxima (dúplex largo) Longa Brevis Semibrevis Mínima Fuza Semiminima Semifuza Para distinguir entre división ternaria y binaria, se utilizaron designaciones verbales (Perfectus, imperfectus, mayor, menor) y signos gráficos (círculo, semicírculo, con o sin punto en el interior) ... Entre los ritmos mensurales característicos se encuentran las siguientes variantes de los de seis lados, que se utilizaron en secuencia y en simultaneidad: La agrupación de seis latidos de 3 y 2 cada uno refleja las proporciones rítmicas dibásicas del sistema mensural y la proporción característica de hemiola o sesquialtera. El sistema táctico o basado en el tiempo es el más importante de los sistemas de organización rítmica en la música. El nombre "tactuc" originalmente denotaba un golpe visible o audible del brazo o pierna del conductor, tocando la consola y asumía un doble movimiento: arriba-abajo o abajo-arriba. Un compás es un segmento de tiempo musical de un tiempo a otro, limitado por líneas de compás en tiempos y dividido uniformemente en tiempos: 2-3 en un compás simple, 4,6,9,12 - en un compás complejo, 5,7,11, etc. etc. - mezclado. El metro es una organización del ritmo basada en una alternancia uniforme de tiempos, una sucesión uniforme de tiempos de un compás y la distinción entre tiempos borrachos y no acentuados. La distinción entre ritmos fuertes y débiles se crea por medios musicales: armonía, melodía, textura, etc. El metro, como sistema uniforme de contar el tiempo, está en constante conflicto con el fraseo, la articulación, la estructura motivacional, incluido el lado lineal armónico, el dibujo rítmico y texturizado, y esta contradicción es la norma en la música de los siglos XVII-XX. El sistema tactométrico tiene dos variedades principales: el metro clásico estricto de los siglos XVII-XIX y el metro libre del siglo XX. En un compás estricto, el tiempo no cambia, pero en un compás libre es variable. Junto con las dos variedades, había una forma de reloj más: un sistema tactométrico sin líneas de barra fijas. Era inherente al canto ruso y a los conciertos de coros barrocos. Al mismo tiempo, la marca de tiempo se indicó en la tecla y la línea de tiempo no se mostró al grabar partes vocales individuales. La línea de la barra a menudo no tenía su función de acento métrico, sino que era solo una marca divisoria. Esta fue la peculiaridad de este sistema como una forma de reloj temprana. La teoría del tacto en el siglo XX estaba llena de una variedad poco convencional: el concepto de "tacto desigual". Provenía de Bulgaria, donde comenzaron a grabar muestras de canciones y bailes folclóricos en bares. En un compás desigual, un tiempo es una vez y media más largo que el otro y está escrito como una nota con un punto (ritmo cojo). En el siglo XV aparecieron nuevas formas sin ritmo de organización del ritmo, junto con el medidor de tiempo libre. Las formas más nuevas incluyen progresiones rítmicas y series. Clasificación de ritmos musicales. - falta de acento. Hay tres principios más importantes de clasificación de ritmos: 1) proporciones rítmicas, 2) regularidad - irregularidad, 3) acento Hay un principio adicional que es importante para condiciones específicas de género y estilo - ritmo dinámico o estático. La doctrina de las proporciones rítmicas se desarrolló en la teoría de la música griega antigua. Había ciertos tipos de proporciones: a) igual a 1: 1, b) doble 1: 2, c) una y media 2: 3, d) proporción de epitritos 3: 4, e) proporción de dokhmia 3: 5. Los nombres fueron dados por los nombres de los pies, por las proporciones dentro de ellos entre la arsis y la tesis, entre las partes constituyentes del pie. El sistema mensural procedía del concepto de perfección (división por tres) e imperfección (división por dos). El resultado de su interacción fue una proporción y media. El sistema mensural era esencialmente una enseñanza sobre las proporciones de duraciones. En el sistema de reloj, desde el comienzo mismo de la formación, se establecieron los principios de binariedad, que se extendieron a la relación de duraciones: el todo es igual a dos mitades, la mitad es igual a dos cuartos, etc. La binariedad de las proporciones de duraciones no se aplicó a la estructura de las medidas. Los trillizos, quintoli, novemoli que se desarrollaron en oposición a la binaridad predominante, por contradecir el principio general, fueron llamados "tipos especiales de división rítmica". A finales de los siglos XIX y XX, el reemplazo de duraciones por dos por división por tres resultó ser tan generalizado que la binariedad pura comenzó a perder su poder. En la música de A. Scriabin, S. Rachmaninov, N. Metner, el triplete ocupó un lugar tan destacado que en relación con los estilos de estos compositores se hizo posible hablar de la dualidad de la proporción de duraciones. Un desarrollo similar del ritmo tuvo lugar en la música de Europa Occidental. En la música nueva después de 1950, se revelaron las siguientes características. En primer lugar, cualquier duración comenzó a dividirse en un número arbitrario de partes por 2,3,4,5,6,7,8,9, etc. En segundo lugar, el deslizamiento: las divisiones indefinidas aparecen debido al uso de la técnica de acelerando o rallentando en la secuencia de la serie rítmica de sonidos. En tercer lugar, la omnivisibilidad de la unidad temporal se transformó en su opuesto en un ritmo de duraciones indefinidas, sin designaciones precisas de valores temporales. Regularidad - irregularidad permite subdividir todo tipo de medios rítmicos según la calidad de la simetría - asimetría, "consonancia" - "disonancia". - Elementos de regularidad Elementos de irregularidad Razón, rítmica Razón igual y doble Razón y media 3: 4, 4: 5 Ostinado y uniforme Patrones variables Patrones rítmicos Pie variable Pie fijo Medida variable Medida fija Medida simple, compleja Medida mixta Contradicción de motivo con medida Coordinación de motivo con medida Regularidad multidimensional Polimetría del ritmo No cuadratura La cuadratura del tiempo Tacto agrupaciones de agrupaciones El tipo de ritmo irregular incluye el ritmo griego antiguo, algunos tipos de ritmo oriental medieval, la mayoría de los estilos rítmicos de la música profesional del siglo XX. El sistema modal, un compás clásico estricto, pertenece al tipo de ritmo regular. ritmo mensural, "regularidad" o "irregularidad" como definición del tipo estilístico de ritmo no significa la presencia al cien por cien de los fenómenos de regularidad o irregularidad. En toda música existen ritmos regulares e irregulares, entre los que se produce una interacción activa. Los conceptos de "acento" - "sin acento" son los criterios para las diferencias de género y estilo. En la música, "acento" y "falta de acento" revelan las raíces de género del ritmo: vocal-vocal y dance-motor. De ahí el ritmo del canto gregoriano, el ritmo del canto znamenny, las melodías znamenny fit, algunos tipos de canciones rusas persistentes - "fuera de alcance", y el ritmo de las danzas folclóricas y su refracción en la música profesional, el ritmo del estilo clásico vienés - "acento". Un ejemplo de ritmo de acento es el tema de la tercera parte de "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov. Un principio adicional de clasificación es la oposición de ritmo dinámico y estático. El concepto de ritmo estático surge en conexión con el trabajo de los compositores europeos en la década de 1960. El ritmo estático aparece en condiciones de una textura y un drama específicos especiales. La textura es una superpolifonía, numerando simultáneamente varias docenas de partes orquestales, y la dramaturgia representa cambios sutiles en el proceso de movimiento de la forma ("drama estático"). El ritmo estático surge debido a que los hitos del tiempo no se distinguen de ninguna manera en la masa texturizada. Debido a la ausencia de tales hitos, no surge ni beat ni tempo, el sonido parece flotar en el aire, sin detectar ningún movimiento dinámico. La desaparición de la pulsación en cualquier unidad métrica y de tempo significa el ritmo estático. Medios y ejemplos de ritmo musical. Los medios más básicos de ritmo son la duración y el énfasis. En la música vocal surge otro tipo de duración, que se dota de cada sílaba del texto, dependiendo de la duración de su sonar en la melodía. Los folcloristas llaman a esto un "lema". El acento es un elemento necesario del ritmo musical. Su esencia radica en el hecho de que está creado por todos los elementos y medios del lenguaje musical: entonación, melodía, patrón rítmico, textura, timbre, agonía, texto verbal, dinámica fuerte. La palabra "acento" proviene de "ad cantus" - "cantar". La naturaleza original del acento como canto y sostenimiento surge a finales del siglo XVIII en un estilo de música dinámico como el de Beethoven. El patrón rítmico es la relación de las duraciones de una serie sucesiva de sonidos, detrás de la cual se afirma el significado del ritmo en el sentido estricto de la palabra. Siempre se tiene en cuenta al analizar la estructura de un motivo, tema, estructura de polifonía y el desarrollo de una forma musical en general. Algunos de los patrones rítmicos se nombraron de acuerdo con las características nacionales de la música. El ritmo punteado con su síncope agudo fue de particular interés. Debido a su prevalencia en la música italiana de los siglos XVII y XVIII, se le llamó ritmo lombardo. También era característico de la música escocesa: se lo designó como chasquido escocés y, debido a la característica del mismo patrón rítmico del folclore húngaro, a veces se le llamaba ritmo húngaro. La fórmula rítmica es una formación rítmica holística, en la que, junto con la proporción de duraciones, necesariamente se tiene en cuenta, por lo que la acentuación y la naturaleza entonacional de la estructura rítmica se revelan más plenamente. La fórmula del ritmo es una educación relativamente corta y separada de la que la rodea. Las fórmulas rítmicas son especialmente importantes para varios sistemas rítmicos sin tiempo: métricas antiguas, modos medievales, ritmo znamenny ruso, usuls orientales, formas nuevas y sin ritmo del ritmo del siglo XX. En el sistema del tiempo, las fórmulas rítmicas son activas y constantes en los géneros de la danza, pero cómo las figuras individuales se forman en la música de un tipo diferente: simbólico-pictórico, nacional-característico, etc. Los pies actúan como las fórmulas rítmicas más estables en la música: los pies griegos antiguos En el arte griego antiguo, los pies métricos eran el fondo principal de las fórmulas rítmicas. Los patrones rítmicos eran variables y las sílabas largas se podían dividir en cortas y las cortas se podían combinar en duraciones más largas. Las fórmulas rítmicas son de particular importancia en la música oriental con su cultivo de percusión. Las fórmulas rítmicas de la percusión que juegan un papel temático en una pieza se denominan usuls y, a menudo, el nombre de la usul y de toda la pieza es el mismo. Las principales fórmulas rítmicas de las danzas europeas son bien conocidas: mazurca, polonesa, vals, bolero, gavota, polka, tarantela, etc., aunque la variabilidad de sus patrones rítmicos es muy grande. modal. Algunas de las figuras retóricas musicales se encuentran entre las fórmulas rítmicas de carácter simbólico e inventivo que se han desarrollado en la música profesional europea. Es la expresión rítmica que tiene el grupo de pausas: suspiratio - suspiro, abruptio - interrupción, elipsis - skip, y otras. La forma de una fórmula rítmica a partir de semicorcheas uniformes y rápidas junto con una línea en forma de escala tiene la figura de una tyrata (estirar, soplar, disparar). Los ejemplos de fórmulas rítmicas características a nivel nacional en la música profesional europea se pueden llamar los cambios de turno que se desarrollaron en la música rusa del siglo XIX: pentáculos y varias otras fórmulas con terminaciones dactílicas. Su naturaleza no es la danza, sino la verbal y el habla. La importancia de las fórmulas rítmicas individuales resurgió en el siglo XX y precisamente en relación con el desarrollo de formas no beat del ritmo musical. Las progresiones del ritmo, especialmente generalizadas en los años 50 y 70 del siglo XX, también se convirtieron en formaciones de fórmulas no cronometradas. Estructuralmente, se dividen en dos tipos, que se pueden denominar: 1) la progresión del número de sonidos. 2) progresión de duraciones. El primer tipo es más simple, ya que está organizado por una unidad que se repite invariablemente. El segundo tipo es rítmicamente mucho más complicado debido a la ausencia de un ritmo que suene realmente acorde y cualquier periodicidad de duraciones. La progresión más estricta de duraciones, con un aumento o disminución secuencial en la misma unidad de tiempo (progresión aritmética en matemáticas) se denomina "cromática". La monorritmia y la polirritmia son conceptos elementales que surgen en relación con la polifonía. Monorritmia - identidad completa, "unísono rítmico" de voces, polirritmia - una combinación simultánea de dos o más patrones rítmicos diferentes. Polirritmia en un sentido amplio significa la combinación de cualquier patrón rítmico que no coincida entre sí, en un sentido estricto - tal combinación de patrones rítmicos a lo largo de la vertical, cuando en el sonido real no hay una unidad de tiempo más pequeña acorde con todas las voces. La coordinación y contradicción del motivo con el tiempo son los conceptos necesarios para el ritmo del tiempo. La coordinación del motivo con el ritmo es la coincidencia de todos los elementos del motivo con la "estructura" interna del ritmo. Se caracteriza por la uniformidad de la entonación rítmica, la dimensionalidad del flujo temporal. La contradicción del motivo con el tacto es la no coincidencia de cualquier elemento, los lados del motivo con la estructura del tacto. El cambio en el énfasis de la sincronización métrica referenciada a la sincronización métrica sin referencia de una medida se llama síncope. La contradicción entre el patrón rítmico y el ritmo conduce a una síncopa de un tipo u otro. En las obras musicales, las contradicciones entre motivo y tacto reciben una amplia variedad de refracciones. Una medida del orden más alto es una agrupación de dos, tres, cuatro, cinco o más medidas simples, que funciona métricamente como una medida con el número correspondiente de tiempos. El ritmo de orden superior no es una analogía completa del habitual. Tiene las siguientes características: 1. el ritmo del orden más alto se cambia a lo largo de la forma musical, es decir, hay expansiones o contracciones de la medida, inserciones y omisiones de latidos; La acentuación del primer tiempo de un compás no es una norma universal, por lo tanto, el primer compás no es tan "fuerte" o "pesado" como en un compás simple. El "conteo" métrico en "compases grandes" comienza con el tiempo fuerte del primer compás, y el compás inicial adquiere la función del primer tiempo del orden más alto. Los medidores más comunes del orden más alto son de dos y cuatro partes, con menos frecuencia, de tres partes, incluso con menos frecuencia, de cinco partes. A veces, la pulsación métrica de un orden superior va en dos niveles y luego se agregan medidas complejas de un orden superior. Por ejemplo, en "Waltz-Fantasy" de M.I. El tema principal de Glinka es un complejo "big beat". Las barras de orden superior pierden su función métrica con la variabilidad sistemática del tamaño de la barra habitual (Stravinsky, Messiaen), transformándose en grupos sintácticos. La polimetría es una combinación de dos o tres metros al mismo tiempo. Se caracteriza por la contradicción de los acentos métricos de las voces. Los componentes de la polimetría pueden ser voces con metros fijos y variables. La expresión más llamativa de la polimetría es la polifonía de varios metros inmutables, mantenidos a lo largo de la forma o sección. Un ejemplo es el contrapunto de tres danzas en tamaños 3/4, 2/4, 3/8 del Don Juan de Mozart. La policronía es una combinación de voces con diferentes unidades de medida de tiempo, por ejemplo, un cuarto en una voz y la mitad en otra. En la polifonía hay una imitación policrónica, un canon policrónico y un contrapunto policrónico. La imitación policrónica, o la imitación en aumento o disminución, es uno de los métodos de polifonía más extendidos, imprescindible para las diferentes etapas de la historia de este tipo de escritura. El canon policrónico se desarrolló especialmente en la escuela holandesa, utilizando signos mensurales, en diferentes medidas temporales la propuesta fue variada. Bajo la condición de las mismas proporciones desiguales de unidades rítmicas, surge un contrapunto policrónico. Es inherente a la polifonía del cantus firmus, donde esta última se realiza en duraciones más largas que el resto de voces, y forma un plano temporal contrastante en relación a ellas. La polifonía contraste-temporal estuvo muy extendida en la música desde la polifonía temprana hasta el final del Barroco, en particular, fue característica de los órganos de la escuela de Notre Dame, motetes isorrítmicos de G. Mashaud y F. Vitry, para arreglos corales de J.S. Bach. donde los compositores, Polytemp es un efecto especial de policcronismo, cuando en la percepción se agregan capas rítmicamente contrastantes como si fueran a ritmos diferentes. El efecto de contraste de tempo está presente en los arreglos corales de Bach, y los autores de música contemporánea también lo utilizan. Modelado rítmico La participación del ritmo en el modelado musical no es igual en las culturas europeas y orientales, en otras culturas no europeas, en la música “pura” y en la música sintetizada con la palabra, en pequeñas y grandes formas. Las culturas populares africanas y latinoamericanas, en las que se destaca el ritmo, se distinguen por la prioridad del ritmo en la configuración y en la música de percusión: dominio absoluto. Por ejemplo, usul, como ostinata que se repite o abarca toda la obra, una fórmula rítmica asume por completo la función de dar forma en los antiguos clásicos turcos de Asia central. En la música europea, el ritmo es la clave de la forma en aquellos géneros medievales y renacentistas en los que la música está en síntesis con la palabra. A medida que el propio lenguaje musical se desarrolla y se vuelve más complejo, la influencia rítmica en la forma se debilita, dando prioridad a otros elementos. En el complejo general del lenguaje musical, los propios medios rítmicos sufren una metamorfosis. En la música de la "era armónica", sólo la forma más pequeña, el período, está subordinada a la primacía del ritmo. En la forma clásica grande, los principios fundamentales de la organización son la armonía y el tematismo. El método más simple de organización rítmica de la forma es ostinat. Forja una forma a partir de pies y columnas griegas antiguas, usuls orientales, talas indias, pies modales medievales y ordo, refuerza la forma a partir del mismo o el mismo tipo de motivos en algunos casos en el sistema del reloj. En la polifonía, una forma notable de ostinato es el poliastinato. Un género muy conocido de poliostinatismo oriental es la música para el gamelán indonesio, una orquesta formada casi exclusivamente por instrumentos de percusión. Una interesante experiencia de refracción del principio gamelán en las condiciones de una orquesta sinfónica europea se puede ver en A. Berg (en la introducción a cinco canciones con letra de P. Altenberg). Una especie de organización rítmica ostinata es la isorritmia (griego - igual): la estructura de una obra musical basada en la repetición de la fórmula rítmica central, actualizada melódicamente. La técnica isorrítmica es inherente a los motetes franceses de los siglos XIV-XV, en particular a Machaut y Vitry. El núcleo rítmico repetido se denota con el término "talea", la sección de tono melódico repetido - "color". Talea se coloca en tenor y pasa de dos o más veces a lo largo de la pieza. La acción formadora de formas es multi-abarcante en una pieza musical. Métrica clásica Difícil La consecuencia más importante de la relación entre la métrica clásica y la armonía clásica es la organización del período métrico de ocho compases, la celda fundamental de la forma clásica. El "período métrico" es también el tema en sí en su versión clásica óptima. El tema está compuesto por motivos y frases. El "período métrico - ocho actos" puede coincidir con una propuesta desarrollada. El "período métrico" tiene la siguiente organización. Cada una de las ocho medidas adquiere una función formadora, y el mayor peso funcional recae en las medidas pares. La función de incontables medidas se puede definir de la misma manera para todos como el comienzo de una construcción motivo-frase. La función del segundo compás es completar la frase relativa, la función del cuarto compás es completar la oración, la función del sexto compás es la gravitación hacia la cadencia final, la función del octavo es lograr la compleción, la cadencia final. El "período métrico" puede incluir no sólo ocho medidas estrictas. Primero, debido a la existencia de barras de orden superior, una "barra métrica" \u200b\u200bse puede realizar en un grupo de dos, tres, cuatro barras. En segundo lugar, un período u oración ordinario puede contener una complicación estructural: una extensión, adición, repetición de una oración o media oración. La estructura se vuelve no cuadrada. En estos casos, las funciones métricas se duplican. la función de formación de formas del medidor se lleva a cabo en una conexión inextricable con un desarrollo armonioso. En la armonía clásica, una importante tendencia formativa es el cambio de armonía en golpes fuertes de la medida. En la música de tipos de formas clásicas, podemos hablar de patrones generales de formación de formas rítmicas. Se diferencian según la pertenencia del estilo rítmico al tipo de ritmo regular o irregular y a la escala de la forma: pequeña o grande. En el tipo de ritmo regular, donde dominan los elementos de regularidad y se subordinan los elementos de irregularidad, los medios de ritmo regular resultan ser el centro de atracción y modelación. Ocupan el lugar principal en la forma: predominan en exposiciones, formas y dominan en cadances, los resultados del desarrollo. Los medios de rítmica irregular se activan en áreas subordinadas: en los momentos intermedios, en las transiciones, ligamentos, pre-eventos, en construcciones precadenciales. Los medios típicos de regularidad son la invariabilidad del latido, la alineación del motivo con el latido, la cuadratura; por irregularidad - exposición variabilidad del latido, contradicción del motivo con el latido, no cuadratura. Como resultado, bajo las condiciones del tipo de ritmo regular, se forman dos modelos principales de conformación rítmica: 1. regularidad predominante (pilar) - dominante - nuevamente regularidad dominante. El primer modelo corresponde al principio de una onda dinámica de subida-bajada. Ambos patrones pueden verse en formas pequeñas y grandes (de un período a otro). El segundo modelo se ve en la organización de una serie de formas pequeñas (especialmente en los scherzos clásicos). irregularidad (inestable) En el tipo de ritmo irregular, los patrones de desarrollo rítmico se diferencian según la escala de la forma. A nivel de formas pequeñas, opera un patrón más común, similar al primer patrón de ritmo regular. En el nivel de las grandes formas, una parte de un ciclo, un ciclo, una representación de ballet, a veces surge un modelo con el resultado opuesto: de menos irregularidad a la más grande. En el sistema de latidos, en condiciones de un tipo de ritmo irregular, hay cambios métricos obligatorios. El tipo básico y original de medidor (tamaño), que generalmente se muestra en la tecla, se puede llamar medidor o tamaño de "título". La transición temporal a nuevas firmas de tiempo que tiene lugar dentro del edificio se puede llamar desviación métrica (por analogía con la desviación en armonía). La transición final a un nuevo metro o tamaño que coincide con el final de la forma o parte de ella se llama modulación métrica. La música, a partir de los años 50 del siglo XX, junto con nuevas ideas artísticas, nuevas formas de creatividad, creó nuevos medios de organización rítmica de la obra. Los más tipificados entre ellos son las progresiones y las series de ritmos. Se utilizaron activamente principalmente en la música europea de los años 50-60 del siglo XX. La progresión del ritmo es una fórmula de ritmo basada en el principio de aumento o disminución regular de la duración o el número de sonidos. Puede aparecer esporádicamente. Una serie rítmica es una secuencia de duraciones no repetidas, repetidas muchas veces en una obra y que sirven como uno de sus fundamentos compositivos. En la música europea de los años 50-60 y principios de los 70 del siglo XX, el plan rítmico de una pieza se compone a veces de forma tan individual como temática. La situación se vuelve fundamental cuando el ritmo es el principal factor formativo de una pieza musical. Desde el punto de vista de la creatividad musical del siglo XX, toda la teoría del ritmo musical desarrollada históricamente es de gran interés. Lista de literatura usada. 1) Alekseev B., Myasoedov A. Teoría elemental de la música. M., 1986. 2) Vinogradov G. Krasovskaya E. Teoría divertida de la música. M., 1991. 3) Krasinskaya L. Utkin V. Teoría elemental de la música. M., 1983. 4) Sposobin I. Teoría elemental de la música. M., 1979. 5) V. Kholopova.Ritmo musical ruso. M., 1980 6) V. Kholopova Ritmo musical. M., 1980.

Qué es el ritmo en la música, estudiamos y dominamos el ritmo

El ritmo es un elemento fundamental en la interpretación de una pieza musical. En este caso, podemos hablar de la independencia del ritmo de la melodía. Para que cada persona pudiera observar a su alrededor miles de ejemplos de existencia separada, que van desde el latido del corazón hasta instrumentos de percusión que no tienen componente de tono. Prácticamente no puede haber melodía sin ritmo.

Independientemente del grado de profesionalismo, cada músico debe tener en cuenta los conceptos básicos del ritmo, conocer la terminología específica y también ser capaz de reproducir una pieza o pieza musical en el ritmo propuesto. Esta página explica los conceptos básicos y la terminología necesarios para la práctica.

Ritmo, duración y pausa

Veamos que es ritmo... Un término musical es una organización clara de la música en el tiempo y el espacio. Una estructura se forma a partir de una secuencia de duraciones y pausas. La tabla muestra las duraciones, así como su designación.

Nombre de duración	Escribir designación		Numero de cuentaspor una duración
	En el pentagrama	Fuera del personal
Todo			1 y 2 y 3 y 4 y
Medio			1 y 2 y
Cuarto			1 y
Octavo		o
Decimosexto		o	La mitad del octavo

Hay una tabla especial que muestra la relación de duraciones entre sí.

Vale la pena abordar un concepto como pausa en un ritmo musical. Una pausa es un período de tiempo en la música que está lleno de silencio. Existen los siguientes tamaños de pausa:

1. Una pausa completa. La duración es igual a una nota completa. Se indica mediante un rectángulo negro relleno sobre la tercera línea del pentagrama.
2. Media pausa. Igual a media nota. Está indicado por un rectángulo negro ubicado en la tercera línea del pentagrama.
3. Un cuarto de descanso es igual a un cuarto. Está designado en sentido figurado para casi todo el personal.
4. La octava pausa tiene una duración similar a la octava. Por designación, se parece a la letra mayúscula "h".
5. El decimosexto silencio es igual a la nota correspondiente. Sobre la letra es similar a la duración anterior, la diferencia es la duplicación de la cola.

Cabe señalar que algunos músicos perciben las pausas como paradas, por lo que se desvían del esquema rítmico general. Una pausa es un signo de silencio que juega un papel importante en una pieza. No se recomienda encarecidamente comer pausas a expensas de otra nota anterior, alargando su duración. De lo contrario, el pensamiento musical se pierde. Es especialmente importante tener en cuenta este principio al tocar en una orquesta, conjunto o grupo. Después de todo, si no se tienen en cuenta las pausas, los sonidos se superpondrán entre sí, creando disonancia.

Terminología básica

El ritmo en la música profesional no puede prescindir de conceptos como compás, compás, tempo y compás.

• Metro es una alternancia uniforme de acentos en una pieza musical.
• Tacto es una unidad de medida de un metro, que se calcula en notas o silencios. En cuatro cuartos, la primera nota de la barra es el ritmo fuerte, la segunda es débil, la tercera es relativamente fuerte y la cuarta es débil. Las barras están divididas por una línea entre ellas. Una doble línea cierra la obra.

• El tamaño - dos números, situados uno encima del otro, al principio del pentagrama. El número superior muestra el número de duraciones en una medida y la cifra inferior que prevalece. La designación se encuentra después de la llave y los carteles de la llave. Es de destacar que el indicador se duplica solo una vez al comienzo del trabajo, en las siguientes líneas no es necesario volver a indicar el tamaño. La excepción es un cambio a uno nuevo.

La imagen muestra el tamaño 4/4 (cuatro cuartos)

Especificar trimestres no significa que solo se utilizarán datos de duración en la medida. Se pueden usar duraciones de diferentes longitudes, pero su suma no debe exceder el tamaño. Veamos ejemplos correctos e incorrectos.

Vale la pena considerar que los tamaños son simples, complejos, mixtos y variables.

El primer grupo simple incluye principalmente tamaños de dos o tres tiempos, en los que solo hay un énfasis en el ritmo fuerte. Los tamaños más comunes se pueden considerar dos cuartos, dos mitades, dos octavos, tres cuartos, tres octavos y tres mitades.

Los tamaños complejos aparecen cuando dos simples se fusionan, por lo general tienen un énfasis relativo adicional en un ritmo fuerte. Este grupo incluye: cuatro cuartos, seis octavos, doce octavos, seis cuartos, etc.

Mixto constituye una categoría especial. Se forman a partir de la conexión de varios tamaños desiguales simples entre sí. El grupo incluye unidades como cinco cuartos, cinco octavos y siete cuartos y siete octavos.

La medición variable es típica principalmente de la música folclórica, principalmente de las canciones populares rusas. Un ejemplo sorprendente es la canción "Vanya sat".

El popular tamaño de cuatro cuartos se representa como una letra C mayúscula, así que no se deje intimidar por esta designación.

• Paso Es una característica musical que determina la velocidad de un instrumento musical. Normalmente, el tempo se coloca al principio de la pieza sobre el pentagrama y está escrito en italiano. Hay tres grupos de tempos lentos, moderados y rápidos. La pieza puede sonar diferente según el valor establecido. Por lo general, el tempo se establece en un dispositivo especial llamado metrónomo. Cuanto mayor sea el valor, más rápido será el ritmo.

Señales adicionales

Hay algunas marcas de notación que participan activamente en la formación del ritmo. Si dos notas que están en el mismo nivel de tono están alineadas, esto significa que el primer sonido debe mantenerse durante un tiempo total. Esto suele ser necesario para mantener la agrupación en tamaños complejos.

Por ejemplo, tomemos un tamaño de cuatro cuartos. Es complejo y tiene un fuerte énfasis en el primer tiempo y un énfasis relativamente fuerte en el tercer tiempo. Por lo tanto, el primer y tercer tiempo del compás deben contener notas. Para registrar el ritmo de un cuarto, medio y cuarto, debe seguir las reglas básicas de agrupación.

Entonces, si hay un punto después de una nota, aumenta su sonido exactamente a la mitad. Por ejemplo, un cuarto con un punto es igual en sonido a un cuarto con un octavo.

A menudo, la duración punteada va junto al ritmo punteado. El término designa una figura rítmica que consta de una duración con un punto y su finalización lógica. Entonces, las opciones más comunes son un cuarto con un punto y un octavo, un octavo con un punto y un decimosexto. Consideremos un ejemplo musical.

Como puede ver en la imagen, el ritmo punteado se usa principalmente en compases fuertes o relativamente fuertes.

Otro de los signos adicionales se puede llamar fermata.

Este signo musical indica que el intérprete puede sostener una nota marcada con fermata durante un tiempo ilimitado.

Sistemas básicos de ritmo-sílaba

Existe un sistema especial de sílabas rítmicas que ayuda en la práctica a aprender a reproducir correctamente diferentes duraciones. Este sistema fue inventado en Hungría en el siglo pasado y se utiliza activamente en las escuelas de música en los primeros años de la educación musical, cuando se sientan las bases rítmicas. Entonces, existen las siguientes sílabas rítmicas:

• Entero - Ta-a-a-a
• Mitad - Ta-a
• Cuarto - Ta
• Octavo - Ti
• 2 dieciseisavos - Ti-ri
• Ritmo punteado: cuarto con punto y octavo - ta-ai-ti.

Además, se desarrollaron sílabas rítmicas especiales para determinar pausas:

• Entero - Pa-u-uza.
• Mitad - Pa-a
• Cuarto - Pa
• Octavo - pi

Tal percepción de duraciones le permite dominar incluso figuras rítmicas complejas varias veces más rápido y aprender a leer rápidamente obras musicales desde la vista.

Ejercicio 1. Asimilación de sílabas rítmicas

Cante la melodía al ritmo sugerido usando sílabas rítmicas.

Compare con la respuesta a continuación:

Consejos rápidos para dominar el ritmo y el ejercicio

1. Practica diaria. No importa cuán trillado pueda ser, pero solo la práctica diaria puede llevarlo a un buen resultado. Necesita trabajar en el ritmo durante aproximadamente media hora al día para obtener una base sólida.
2. La primera vez es usar un metrónomo. En la tapa de la mesa o del piano, toque el ritmo sugerido. Comience con un ritmo lento, de 40 a 60 latidos, luego continúe con un ritmo más flexible. Intenta entrar en ritmos fuertes de inmediato.
3. Utilice un sistema de sílabas rítmicas.

Debe tenerse en cuenta que al tocar el piano, se involucran las dos manos. En este caso, el ritmo en cada una de las manos puede ser diferente, para trabajar la técnica de antemano, debe hacer ejercicios especiales.

Ejercicios para alternar la participación de la mano derecha e izquierda, creando un pase de lista. La línea superior es para la mano derecha, la línea inferior es para la izquierda. Necesita marcar el ritmo a un ritmo promedio en el que no cometerá errores. Si aparecen errores o paradas, debe moverse a un ritmo más lento. Puede golpear la tapa de la mesa o del piano debajo del metrónomo.

№1

№2

Los ejercicios más complejos son aquellos en los que las figuras rítmicas se golpean simultáneamente con ambas manos.

№1

№2

Si desea más ejercicio, le recomendamos que se familiarice con el libro de texto de Olga Berak "School of Rhythm". El manual está dividido en varias partes por tamaño. Primero, hay tamaños de dos partes, luego tamaños de tres partes.

Programas de autocontrol en el aprendizaje

Si una persona intenta dominar el ritmo por su cuenta sin ayuda profesional, entonces necesita llevar a cabo el control, lo que se logra con la ayuda de tecnologías modernas. Hay programas especiales en los que puede poner a prueba su propio conocimiento del ritmo.

Paso perfecto 2

En este programa, se ha desarrollado una sección especial "Ritmo", en la que se pueden encontrar las siguientes secciones para dominar las figuras rítmicas:

• Teoría. La categoría proporciona la información básica mínima con respecto al ritmo, y también puede escuchar cómo suenan diferentes longitudes en el tiempo.
• Leyendo. Con el metrónomo incorporado en la aplicación, debe tocar el ritmo grabado anteriormente, sin cometer errores.
• Dictado. Es necesario grabar correctamente el patrón rítmico que escuchó.
• Imitación. Después de escuchar las figuras rítmicas, debe grabarlas correctamente.

En cada una de las secciones anteriores, hay subdivisiones adicionales para figuras rítmicas específicas. Esto le permite alcanzar la perfección en términos de ritmo.

Cabe señalar que en Internet existe una gran cantidad de metrónomos electrónicos que de ninguna manera son inferiores a sus contrapartes reales. Son bastante simples de ajustar y cada persona puede marcar de forma independiente el ritmo en el que interpretará una pieza o pieza musical.

En esta página, le presentamos la terminología básica que será útil para un músico novato, y también le dimos los ejercicios y recomendaciones necesarios para dominar el tema. El material te ayudará a comprender mejor el texto musical, así como a navegar más rápido y reproducir con mayor precisión la notación musical.